"Aesthetic Behavior; Developmental Sequences (ABDS)" [Comportamiento estético; secuencias de desarrollo] es una investigación llevada a cabo por el artista Gabo Camnitzer junto con el arquitecto Lluís Alexandre Casanovas Blanco que utiliza el avatar del niño para reflexionar sobre las nociones de espectador en el arte contemporáneo y sus arquitecturas. El proyecto analiza los modos de percepción y los procesos de adquisición de conocimiento en los niños tal y como fueron estipulados por la psicología del comportamiento surgida a principios del S. XX. ABDS busca subvertir las formas en que este campo ha negado a sus sujetos de investigación, los niños, ninguna capacidad de decisión, sometiéndolos a procesos de objetivación, individualización y, en última instancia, esencialización. Estos procedimientos ocurrieron, en la mayoría de los casos, haciendo uso de dispositivos arquitectónicos específicos que regulaban la interacción entre los sujetos de estudio (los niños) y el personal científico que los llevaba a cabo.

En el espacio de la galería, esta investigación se materializa en un repertorio de objetos y accesorios que repiensan los procedimientos e instrumentos extraídos de la historia de la psicología infantil. El conjunto de accesorios mostrados en la galería –a medio camino entre el diseño moderno, los mecanismos de vigilancia, y el instrumental clínico– relatan la importancia de los objectos en la reducción de la experiencia sensorial y el aprendizaje a un evento científico 'constatable.' Entre ellos, destaca la recreación de la cúpula de observación diseñada por el psicólogo infantil Arnold Gesell para sus experimentos con bebés en la Universidad de Yale en los años 30. Esta cúpula recubierta de mosquitera, es opaca desde el interior, pero totalmente transparente desde fuera. Esto ocultaba a los bebés la presencia de espectadores en los experimentos.

Esta colección de objetos se activó a través de una serie de talleres performativos con niños de las escuelas locales cercanas. Después de una breve introducción sobre algunos aspectos de la psicología infantil, se invitaba a los niños a desarrollar nuevos modos de investigación experimental utilizando los objetos de la exposición para analizar la experiencia de un sujeto adulto dentro de la cúpula. Estos talleres tuvieron como objetivo invertir la asimetría de poder que impregna gran parte de estos estudios psicologicos, sometiendo la experiencia del adulto a la mirada de los niños.

A mediados de los sesenta, el Taller de Arquitectura realizó una serie de experimentos con el fin de repensar la vivienda y la planificación moderna bajo el epígrafe de La ciudad en el espacio. Este proyecto consistía en la creación de una infraestructura de vivienda flexible que pudiera acomodar diferentes modos de vida y distintas comunidades. La oficina recurrió en su experimentación a los métodos del grupo de teatro alternativo estadounidense The Living Theatre. Tres veces al día, durante todo un año, el Taller programó en la oficina inmobiliaria del proyecto presentaciones teatrales inmersivas que combinaban dibujos, proyecciones de imágenes, mimos, poesía, música electrónica con el objetivo de captar a ciudadanos dispuestos a adoptar el modo de vida radical que el Taller proponía con sus viviendas.

Eventualmente canceladas por la dictadura, las actuaciones proporcionaron la base de la segunda película de Ricardo Bofill, Schizo, estrenada en 1970. A través de varias iteraciones, mi investigación Trauma in a Real Estate Office analiza documentación de archivo y la realización de entrevistas con el objetivo de reconstruir la genealogía y mitología de este experimento, investigando el uso de formatos alternativos en la construcción de nuevas metodologías radicales en arquitectura.

Al entrar en la instalación, el visitante descubrirá los vestigios de un auditorio casi a oscuras. Recortada contra las características bóvedas del museo, una estructura alámbrica es colonizada por marañas de cables, focos y bombillas empalmados con regletas y enchufes. De esta infraestructura cuelgan catorce altavoces cuyos pabellones se precipitan sobre el visitante. Ornamentados con bombillas de feria y cascarones de poliuretano, los altavoces se transforman en lámparas votivas. El perímetro de la sala se encuentra cubierto por un telón. Este elemento contiene un estampado cuya legibilidad varía según el movimiento, la perspectiva y la atención del espectador. Su diseño ilustra la dialéctica vida-muerte presente en el Auto, recurriendo a algunos de los imaginarios que Val del Omar describe en sus guiones.

La escenografía de la pieza de Niño de Elche, en definitiva, explora espacialmente las diferentes tensiones presentes en el trabajo de Val del Omar —las dicotomías modernidad-antimodernidad, cultura oficial-cultura popular— revisando su vigencia en el contexto de los actuales desafíos a la globalización de la cultura.

En este sentido, el diseño concebido por Exedra es extremadamente ligero, pensado para moverse continuamente dentro del espacio expositivo, confrontando directamente las obras de arte discutidas. Esto supuso un doble desafío. Por un lado, el diseño debía configurar un espacio íntimo para conversar dentro de la enorme sala gótica de La Capella. Por otro lado, Exedra no debía interferir en las experiencia de las piezas de arte.

Así pues, el diseño final consta de dos gradas simétricas. Cada una de ellas pesa 70 kg y puede ser movida por una sola persona, facilitando su reubicación en el espacio y teniendo en consideración el personal reducido del centro. Su geometría en forma de corazón se refiere a objetos de escala doméstica como el sofá victoriano o la silla Acapulco. como a tomar las dimensiones de escaleras móviles industriales. Tanto en las escaleras como en los muebles mencionados, el cuerpo se encuentra en una posición relajada que se entiende predispuesta a las conversaciones informales.

La suma de crisis ecológica, sanitaria y económica nos obliga a replantear nuestra relación con el medio natural en una ocasión histórica. La puesta en valor de la Cala Advocat, en Benissa, constituye una oportunidad para repensar cómo se produce. La propuesta Nuevo Reino Mineral entiende la Cala Advocat como un lugar privilegiado, donde junto con la ayuda de paisajistas, ecólogos e ingenieros, se pretende ensayar nuevos sistemas de protección y restauración. Estos sistemas, pioneros en nuestro litoral, podrían resultar aplicables en otras zonas del abrupto litoral mediterráneo.

La urbanización del litoral Ibérico en general y de la costa alicantina en particular, mostrando un modelo de urbanismo depredador, interrumpido por la crisis económica del 2008, se ve ahora cuestionado. La sociedad nos urge buscar uno nuevo, reformulando la relación entre la edificación, la explotación turística costera y el medio natural litoral.

Por esta razón, en lugar de introducir elementos externos a las lógicas de Cala Advocat, Nuevo Reino Mineral propone recurrir a dinámicas y elementos preexistentes. Tanto climáticos y geológicos, como biológicos, y antropogénicos, trabajando con ellos a través de tres estrategias clave: conservación, potenciación y adaptación.

Hoy en día, sentirse en casa tiene diferentes definiciones—tanto en los entornos domésticos como en los espacios definidos por fronteras nacionales. La arquitectura de la casa es inseparable de los procesos de circulación definidos por los desarrollos desiguales característicos de las economías neoliberales, la expansión de los medios de comunicación, y cambios en relaciones geopolíticas globales. Pertenecer no significa necesariamente estar ligado a una vivienda o una nación, ni tampoco implica un lugar estable o definitivo.

Los continuos intercambios comerciales, los sistemas de transferencia de información actuales, y los crecientes movimientos migratorios han desestabilizado lo que entendemos por residencia, obligándonos a cuestionar sus valores más arraigados, como la permanencia espacial, la propiedad, y la identidad. Estas transformaciones han desencadenado una crisis de pertenencia. Los procesos de globalización han traído consigo un mayor acceso a múltiples bienes, geografías, y conocimientos cada vez más diversos, construyendo imaginarios y formas de convivencia alternativas. Sin embargo, no todo el mundo ni todas las cosas se mueven de la misma manera o de forma voluntaria, y esta diferencia genera desigualdades que afectan a grandes grupos de personas obligadas a vivir en tránsito y residir de forma precaria.

La Oslo Architecture Triennale 2016, AFTER BELONGING: A TRIENNALE IN RESIDENCE, ON RESIDENCE AND THE WAYS WE STAY IN TRANSIT analiza y diseña la forma en que la arquitectura participa en la construcción de vínculos a lugares y colectividades—¿Dónde pertenecemos?—así como en las relaciones que establecemos con los objetos que producimos, poseemos, compartimos, e intercambiamos—¿Cómo gestionamos nuestras pertenencias?

La idea de pertenencia (así como las escalas y contextos en que se define)está hoy en día en proceso de transformación. Por ejemplo, la vida diaria de la clase media en diferentes partes del mundo, está siendo reconfigurada por las condiciones económicas y las relaciones establecidas por plataformas como Airbnb, cuyo lema “Belonging Anywhere” contrasta con la realidad que regula cómo pertenecer. A pesar de la expansión de los procesos de circulación y tránsito globales, diversos eventos internacionales actuales sugieren la consolidación de las fronteras, retornando a modos tradicionales de pertenencia. Entre muchos otros podemos nombrar el aumento de nacionalismos populistas en países como en EE.UU. y el levantamiento de fronteras como respuesta a la llamada crisis de los refugiados. Otras manifestaciones sociales y políticas sugieren procesos contradictorios, como el desarrollo de un Pasaporte Pan-africano, o la reciente proclamación del Estado Islámico como Califato internacional con autoridad política, religiosa y militar independiente de fronteras nacionales.

Estas realidades cambiantes (y aparentemente opuestas) de estabilidad territorial y reconfiguraciones geopolíticas, tienen manifestaciones arquitectónicas y efectos estéticos, técnicos, legales, socio económicos y políticos en los modos y espacios de residencia. After Belonging aborda el rol del arquitecto en relación a estos diversos fenómenos contemporáneos. Lejos de aislar el papel de la arquitectura del resto de procesos que definen estos escenarios, o de responder a ellos bajo un paradigma de “crisis,” esta investigación busca localizarlos en un contexto más amplio, del cual no pueden desligarse. En conclusión, After Belonging considera cómo los objetos, los espacios y los territorios participan en las rearticulaciones contemporáneas de pertenencia y propone trayectorias alternativas para su producción arquitectónica.

PROGRAMA

Exposición On Residence, DOGA, Oslo (8 Septiembre – 27 Noviembre 2016), Comisariada y Diseñada por Lluís Alexandre Casanovas Blanco, Ignacio G. Galán, Carlos Mínguez Carrasco, Alejandra Navarrete Llopis, Marina Otero Verzier

Exposición In Residence, National Museum—Architecture Oslo (8 Septiembre – 27 Noviembre 2016), Comisariada y Diseñada por Lluís Alexandre Casanovas Blanco, Ignacio G. Galán, Carlos Mínguez Carrasco, Alejandra Navarrete Llopis, Marina Otero Verzier

Publicación After Belonging: The Objects, Spaces and Territories of the Ways we Stay in Transit. Editado por Lluís Alexandre Casanovas Blanco, Ignacio G. Galán, Carlos Mínguez Carrasco, Alejandra Navarrete Llopis, Marina Otero Verzier. Diseño de This is Our Work. Publicado por Lars Muller (2016), 400pp.

Conferencia After Belonging, Oslo Opera House (9 Septiembre 2016) Organizada por Lluís Alexandre Casanovas Blanco, Ignacio G. Galán, Carlos Mínguez Carrasco, Alejandra Navarrete Llopis, Marina Otero Verzier.

The Academy, Programa academico organizado por Lluís Alexandre Casanovas Blanco, Ignacio G. Galán, Carlos Mínguez Carrasco, Alejandra Navarrete Llopis, Marina Otero Verzier junto con AHO (9 – 16 Septiembre 2016)

The Embassy, The New World Embassy Rojava, Ayuntamiento de Oslo (26 – 27 Noviembre 2016). Diseñado y Organizado por Jonas Staal con las comunidades kurdas de Roajava. Promovido y comisariado por Lluís Alexandre Casanovas Blanco, Ignacio G. Galán, Carlos Mínguez Carrasco, Alejandra Navarrete Llopis, Marina Otero Verzier.

CREDITOS

La After Belonging Agency es un grupo de arquitectos, comisarios, e investigadores con sede en New York y Rotterdam, que se juntó especificamente para el proyecto de la 2016 Oslo Architecture Triennale (OAT) y está compuesto por:

Lluís Alexandre Casanovas Blanco, Chief Curator, OAT 2016 / Princeton University

Ignacio G. Galán, Chief Curator, OAT 2016 / Principal [igg - office for architecture] / Term Assistant Professor, Barnard+Columbia Architecture

Carlos Mínguez Carrasco, Chief Curator, OAT 2016 / Associate Curator Storefront for Art and Architecture

Alejandra Navarrete Llopis, Chief Curator, OAT 2016 / Principal NaMi

Marina Otero Verzier, Chief Curator, OAT 2016 / Head of Research, Het Nieuwe Instituut

Asociados de Diseño y Producción: Juan Ruiz Anton, Paola Simone García / Diseño Gráfico: This is our work (Megan Feehan) / Asistentes de Diseño: Kamilla Csegzi / Asistentes Gráficos: David Jiménez Iniesta, Ma Ángeles Peñalver Izaguirre, Studio Animal (Javier Jiménez Iniesta) y Eduardo Tazón / Asociados de Investigación: Jess Ngan / Asistente: Nick Oelrich

Desde 1985, España experimentó un aumento continuado del valor económico de la vivienda; en este periodo, la industria de la construcción se convirtió en el sector económico más importante del PIB del país. Durante décadas, la construcción de viviendas fue promovida por la administración y la banca como una de las inversiones más seguras para los ciudadanos de clase media moderadamente enriquecidos, propiciando un estallido de asentamientos suburbanos en todo el territorio español. Pero la llamada burbuja inmobiliaria española “estalló” en 2008, dejando atrás una gran cantidad de viviendas que atestiguan la transformación social de la sociedad española en las últimas décadas.

¿Es posible considerar la arquitectura construida durante la burbuja como un documento histórico del frenético crecimiento económico de los años noventa en España? ¿Cómo se supone que los arquitectos deben afrontar las arquitecturas resultantes de este período histórico?

La Real Estate Boom House explora la arquitectura doméstica surgida durante la burbuja inmobiliaria en España, analizando sus proposiciones estéticas, las economías y las políticas que la propiciaron, los procesos materiales que la habilitaron, los imaginarios que la promovieron y los modos de sociedad resultantes. Cardedeu, un antiguo pueblo situado a 45 km de Barcelona, experimentó un importante desarrollo suburbano durante la burbuja inmobiliaria española de finales de los años ochenta y principios de los noventa. La Real Estate Boom House, propiedad de Jaume y María Luisa, puede considerarse paradigmática de la estética fomentada durante este fenómeno financiero por, al menos, tres razones:

– En primer lugar, el diseño original de la casa, los materiales y los detalles de la construcción revelan los imaginarios de opulencia que impulsaron parte del diseño del boom inmobiliario en España: la escalera de la casa está ubicada dentro de una torre achatada con ventanas góticas; la galería de entrada está soportada por columnas dóricas prefabricadas; el vestíbulo y la escalera están cubiertos por mosaico andaluz producido en masa.

– En segundo lugar, las vistas privilegiadas del casco antiguo desde la parte posterior de la casa, situada al borde de un área suburbana y de una zona de cultivos, están bajo continua amenaza: una vez que el país experimente una recuperación económica, estos terrenos probablemente se urbanizarán.

– Y, en tercer lugar, el interior doméstico de la casa atestigua las sensibilidades generacionales radicalmente diferentes que han constituido la burbuja. En el interior de la Real Estate Boom House, grandes cantidades de artesanía tradicional castellana producida por María Luisa, que recuerda los orígenes rurales de la familia, se colocan junto a objetos de diseño más actual.

La intervención intenta resaltar estas tres condiciones a través de una sola operación. La escalera, muy dañada y con goteras, se restaura “arqueológicamente” utilizando técnicas tradicionales con la inclusión de nuevas tecnologías que resaltan los materiales y detalles originales. Como si fueran ruinas, estos restos de la burbuja se llenan de plantas para servir como posible sustitución de las vistas de los campos en peligro de urbanización.

La Real Estate Boom House incluye el desarrollo de un prototipo textil utilizando encajes de bolillos. Aquí, el hilo de algodón tradicional se sustituye por la llamada "fibra más fuerte del mundo", Dyneema®. Este producto, nacido de la investigación militar y utilizado principalmente en la producción de cascos, chalecos y escudos balísticos, se usa aquí para fortalecer un elemento decorativo extremadamente frágil. Esto permite la aplicación de esta técnica de manera más amplia en el diseño doméstico.

Un cuarto en llamas es un espacio de diálogo y creación cultural dirigido a un público joven interesado en las artes —especialmente la música, la poesía y la investigación en torno a la palabra—. El proyecto, ubicado en la Sala Polivalente del antiguo cuartel del Conde Duque, es una iniciativa del Colectivo Masquepalabras y se gestiona en colaboración con una asamblea de jóvenes, que diseña una programación cultural independiente. Un cuarto en llamas alberga todo tipo de actividades de creación cultural, como conciertos, conferencias, talleres, performance, recitales de poesía, teatro, vídeo, debates, danza, streamings, etc.

La Sala Polivalente de Conde Duque es un espacio abierto de planta basilical definido por tres crujías de columnas de granito delimitadas por muros de ladrillo. Al tratarse de un edificio protegido, las intervenciones sobre la arquitectura preexistente están limitadas, quedando prohibida cualquier alteración de los elementos originales o la fijación de piezas mediante perforaciones y adhesivos químicos.

¿Cómo convertir la materialidad solemne de esta sala en un espacio de creación poética y artística? ¿Cómo transformar su rígida configuración en un lugar en construcción permanente que funcione como laboratorio y comunidad de comunidades? ¿Cómo hacerlo, además, sin alterar el edificio? Para responder a estas consideraciones, el proyecto desarrolla dos estrategias complementarias: el Touchless Design, y el Mobiliario Feat.

Touchless Design: Cómo intervenir en un edificio sin tocarlo

Desde esta condición de partida se diseña un espacio con carácter escénico a partir de la mínima materia y peso posibles: la intervención debe hacerse sin tocar el edificio. Las pesadas columnas de granito se visten con ‘chándals’ de tela plástica translúcida de invernadero, degradada en rosas y con iluminación de neón, que dejan entrever —o no— lo que ocurre detrás, según las condiciones de luz cambiantes del espacio. Las nuevas columnas en chándal quedan suspendidas en el aire. Un sistema de tensores apoyado en cuatro almohadillas de fieltro abraza el capitel en su parte superior, sosteniéndose en apenas 16 cm2. En la parte inferior, cuatro pesas complementan el outfit y estabilizan las piezas, cuyos laterales cosidos con cremalleras de tres metros de altura permiten ‘vestir y desvestir’ el espacio.

Mobiliario Feat.: Cómo equipar un espacio de producción colaborativa cambiante

El mobiliario toma su nombre de la abreviación de la palabra inglesa “featuring,” que se usa para indicar colaboraciones en creaciones musicales. Este sistema consiste en 8 mesas pensadas para combinarse y reorganizarse fácilmente. El mobiliario equipa la sala y la transforma, adaptándola a los diferentes usos y actividades. Durante las mañanas, las mesas configuran un espacio de trabajo colaborativo con ordenadores. Como las sillas tradicionales “tú-y-yo” donde dos personas conversan enfrentadas en diagonal, el mobiliario Feat. se diseña como mesas “tú-y-yo-y-tú”, donde un total de tres personas pueden trabajar con el ordenador y conversar en diagonal. Esta operación de relacionalidad requiere un cambio de proporciones. La mesa se convierte en una pieza muy ligera y esbelta, equipada con puntos de luz, que permite trabajar en grupo de forma fluida sin que la visión del otro se vea interferida por las pantallas. La ligereza del mobiliario permite su fácil reconfiguración. Por las tardes, el mobiliario Feat. se mueve por el espacio, convirtiéndose en mesas de dj, soporte para sistemas de sonido, equipamiento para talleres, debates y conferencias, etc. En función de la carga que soporta la mesa, un sistema de pesos estabiliza la deformación que resulta de la gran distancia entre las patas y la delgadez de la plancha de madera.

En definitiva, Un cuarto en llamas es un espacio en continua transformación, pensado desde su uso, e intervenido mientras se habita. Las lógicas espaciales y materiales Do-it-yourself de esta arquitectura acompañan la producción cultural autogestionada de la comunidad de jóvenes que la habita.

En el contexto arquitectónico, la complejidad de una línea podría abordarse desde su dimensión geométrica. Podríamos entenderla únicamente como una herramienta gráfica: como el mecanismo formal que permite, mediante un ejercicio simple de delimitación de sustancias o espacios, establecer unos parámetros de inclusión y exclusión dentro de una superficie cualquiera; una frontera o límite en el que elementos previamente juntos son divididos, diferenciados y clasificados. ¿Pero qué ocurre entre estos elementos una vez trazada la línea?¿Qué sucede entre estas nuevas entidades ahora entendidas como de “diferente naturaleza”? ¿Qué mecanismo permite realizar esta distinción?Cualquier escrutinio obsesivo de una línea en búsqueda de respuestas nos llevará siempre a la misma conclusión: entre las entidades que una línea divide solo se encuentra una cosa: su grosor.

A Fine Line es una plataforma de conversación y debate que explora las realidades que se esconden bajo —y a los lados— de los grosores de línea, con especial atención a su condición de frontera, tema propuesto para esta primera edición de MUGAK, I Bienal Internacional de Arquitectura de San Sebastián. Este proyecto plantea un análisis y problematización de este concepto desde la arquitectura y sus entornos,con la voluntad de asumir y visibilizar su complejidad y polisemia, trascendiendo su consideración meramente político-geográfica.

El proyecto se divide en dos etapas. En una primera fase, se ha invitado a 16 equipos de arquitectura internacionales a reflexionar y diseñar un escenario en torno a una idea de frontera. Los resultados ponen sobre la mesa la disparidad y polisemia que este concepto entraña:las diferentes propuestas ponen el foco en cuestiones tan dispares como las políticas de importación-exportación, la alimentación y las lógicas de producción transnacionales, las graduales transiciones entre géneros, visiones utópicas en torno al propio espacio de la frontera político-territorial, así como las condiciones reales que fenómenos como éxodos imprime sobre infraestructuras, organizaciones o vidas y cuerpos individuales, entre otros temas.

La segunda fase del proyecto amplía la plataforma de debate a diferentes públicos y voces. A través de un taller que cuenta con 16 participantes,el material recibido por los 16 equipos invitados es analizado, repensado e interrogado mediante su apropiación material, traduciendo sus imaginarios en un formato audiovisual que permita su mayor circulación. Así pues, A Fine Line deviene, en el espacio físico y tiempo en directo de Mugak, un laboratorio cinematográfico de producción performativa de las nociones de frontera propuestas por cada uno de los equipos en la fase previa. Cada nueva pieza audiovisual se convierte, a través de la relectura que hace de materiales previos, en una nueva modulación. Estas piezas se suman al repertorio de nociones de frontera que A Fine Line pretende construir.

https://vimeo.com/250005063

https://vimeo.com/250006036

Comisarias-os: Maite Borjabad, Lluís Alexandre Casanovas, Enrique Espinosa, Lys Villalba

Dirección artística y diseño gráfico: Jorge López Conde

Participantes: C+ (Nerea Calvillo & Marina Fernández), CAMPO, Cooking Sections, Echoing Borders, Matteo Ghidoni, Husos, Kosmos Architects, M7red, Gili Merin, Pez Estudio, RUJA (Jose Jajaja & Ruohong Wu), Malkit Shoshan, Takk, Taller de Casquería, URBZ & Venida Devenida

Participantes taller: Naiara Alava Aguirre, Katrin Rodríguez Aldanondo, Alberto Cendoya, Ane Chueca Uria, Ula Iruretagoiena Busturia, Marta López Tamayo, Rocío Merchante Gutiérrez, Ane Rezola Tolosa, Nuria Sacristán García, Maialen Santos Sampedro.