En una oda de 2011 a Zaha Hadid, la poeta Etel Adnan instó a los lectores "a descubrir, en esta mujer que construyó sobre roca sólida, una nostalgia permanente por el partir. Todo lo que creó parece siempre ser el día antes de una partida, una invitación permanente a la imaginación y a lo imaginario". Referenciando el "L'invitation au voyage" de Baudelaire, las palabras de Adnan sugieren que las obras de Hadid tienen "una poesía, una espiritualidad, tal que al abrigarnos, nos hace soñar, nos pone en marcha en un viaje". Esta exposición amplía la sugerencia de Adnan y propone que veamos la práctica de Hadid no como estática y concluyente, sino como un punto de partida lleno de potencial, reflexión y cuestionamiento.

Dibujos, pinturas, edificios, textos e ideas, una vez emancipados del autor, abren un abanico de preguntas, significados y conceptos que en constante evolución, continúan generando un ecosistema de conocimiento. "A Permanent Nostalgia for Departure" es una perspectiva sobre el legado arquitectónico que se abstiene de emplear un enfoque monolítico y utiliza activamente el proceso arquitectónico de Hadid como fuente de conocimiento que se activa, transfiere y evoluciona a través de las artistas que forman parte de esta exposición. El legado es un término cargado. Su definición a menudo se ve como lineal y estática, lo que implica que su preservación debería ser monolítica y compacta. Comprometerse con el legado en estos términos lleva consigo un halo de objetividad, aunque esto podría ser solo una ilusión dentro de un terreno altamente subjetivo. Esta exposición busca apropiarse y cargar de vuelta ese término, expandiendo la provocación evocadora de Adnan y promulgando el legado como un acto de preservación que se trata de dinamismo, movimiento constante y avance. Bajo esta premisa, el impacto de un artista en otro artista, o el encuentro de un artista con la obra de otro artista, incluso a través de lentes altamente subjetivas y parciales, es tan veraz e importante como el llamado concepto original. Esta narrativa tiene tanto potencial y derecho a desarrollarse como la que proviene del autor original. Este acto de preservación en pleno movimiento, lejos de las esterilizaciones históricas, recarga las posibilidades del legado de manera expansiva. De esta manera, cada uno de los artistas se ha involucrado con Zaha Hadid a través de respuestas específicas y personales, ya sea como inspiración, como cuestionamiento, como enigma o como desencadenante.

Para cada artista, Hadid ha impulsado un punto de partida diferente: utilizando la materialidad para desafiar los límites de una metodología; “reenacting” de manera no convencional la lógica espacial del CAC; descifrando su identidad resituando una lectura y especulación sobre ella lejos de marcos occidentales; descubriendo comprensiones provocativas de lo urbano a través de una lógica compositiva; utilizando técnicas y gestos representativos que engañan las lógicas de la percepción; o problematizando cómo posicionar a Hadid dentro del legado del pensamiento arquitectónico iraquí. En diálogo con las instalaciones comisionadas, hay una selección de pinturas de Hadid que traen su imaginario estético con todo su potencial.

Cada una de las siete obras recién encargadas es un ejercicio que parte de Hadid y se mueve hacia lo desconocido, reflejando la idea de distancia en el tiempo, la historia, la contextualización cultural y cómo un legado puede convertirse en un conducto para problematizar cada una de estas nociones. Sin responder a ella como una cita o metáfora, sino aprovechando la oportunidad de aprender de ella o cuestionarla, y sobretodo resituandola bajo un marco de lectura no occidental; las artistas abordaron preguntas subjetivas y personales que ponen en crisis lecturas y posibilidades normalizadas bajo el canon occidental. Este enfoque ha llevado a que algunas obras de arte ofrezcan una trazabilidad casi reconocible en su totalidad con la inspiración inicial, mientras que otras divergen por completo, ilustrando la red de conocimiento, inspiración y fascinación que influye en el proceso creativo. Ese punto de partida, que se involucra con Hadid, ha desempeñado un papel fundamental en dar forma a la esencia de estas nuevas obras de arte. Rastreable o no, el legado se ha movilizado hacia un viaje de expansión.

La lista de artistas participantes incluye a Rand Abdul Jabbar (n. Bagdad, 1990, actualmente trabaja en Abu Dhabi), Khyam Allami (n. Damasco, 1981, actualmente trabaja en Berlín), Emii Alrai (n. Blackpool, 1993, actualmente trabaja en Leeds), Hera Büyüktaşcıyan (n. Estambul, 1984), Andrea Canepa (n. Lima, 1980, actualmente trabaja en Berlín), Dima Srouji (n. Nazaret, 1990, actualmente trabaja en Londres) y Hamed Bukhamseen (n. Kuwait City, 1991) y Ali Ismail Karimi (n. Manama, 1989) de Civil Architecture Studio.

La acción performativa, concebida específicamente para el espacio más icónico del Museo, el Atrio, aúna a ritmo de los movimientos del dancehall un recorrido visual a través de vídeos de archivo que sitúan la memoria de la construcción del edificio de Frank Gehry. El material de archivo se corporaliza dentro de sus propios espacios mientras son intervenidos digitalmente por avatares que encarnan la memoria material que conforma el Museo, así como algunas de sus obras de arte. La bruma, el alabastro o el titanio cobran corporalidad en una serie de pantallas, al tiempo que danzan una coreografía colectiva junto a los bailarines y todas las personas que participaron de esta accion colectiva. Mezclando vídeo y baile, y a través de procesos de escaneado y renderizado, el cuerpo de la artista en movimiento se convierte en criaturas de mundos de ficción y en materialidades transformistas. Un dispositivo en directo muestra esta metodología durante la performance, haciendo que los participantes y el cuerpo colectivo que conforman queden reflejados en las pantallas, convirtiéndose asimismo en avatares matéricos.

A modo de collage visual y performativo, todos estos fragmentos están atravesados por los ritmos y movimientos del dancehall. El “beat” jamaicano por excelencia, de raíces africanas y caribeñas, aglutina estos momentos en un nuevo paisaje visual, activando nuevas narrativas a la par que llena de cuerpos y sudor el espacio más solemne del museo, el atrio; retando la institucionalización del mismo. Danza de las materialidades mutantes es bailar la memoria de un lugar, lo que fue, cómo llegó a ser, e imaginar lo que podría llegar a ser. Fusionando fragmentos históricos e imaginados, y recomponiendo narrativas visuales institucionales agitadas por el impulso del dancehall, la performance colectiva diluye las divisiones entre cuerpos, materiales, obras de arte, el museo, el baile y la fiesta.

Comisariada por Maite Borjabad López-Pastor
Bailarines: Craig Black Eagle, Damion BG, Katrin WOW, Nika Mad Spirit
Música: DJ Pappi
Diseño visual: Sebastien Mizermont
Diseño de vestuario: Marine Serre

Working in film, installation, performance, sound, and text, Abbas and Abou-Rahme sample self-authored and existing media and materials to reframe and activate narratives that they describe as everyday erasures of Palestinian experience as a means of resisting the illusion of one immutable history. The interconnected works in this installation critically examine how bodies, images, language, memories, and narratives exist within contemporary archives, media, and institutions. Often reflecting on ideas of amnesia, erasure, and return within the Palestinian condition, the artists see these artworks as potential tools for the politically oppressed to become unbound from colonial systems.

Central to the exhibition is an immersive multimedia installation combining new versions of two multi-channel video works. Oh shining star testify (2019–21) focuses on CCTV footage taken from a surveillance camera that circulated online after Yusuf ­Shawamreh, a 14-year-old Palestinian boy, was killed by Israeli forces. The layered footage, sampled from recordings of the event, brings attention to how images that circulate online can offer a testament to historic events, though that testament can be obliterated when the internet becomes oversaturated with imagery. Foregrounding the simultaneous accumulation and disappearance of data and images, the artists make visible how those “uncounted bodies counter their own erasures, appearing on a street, on a link or on a feed.”

The second video, At those terrifying frontiers where the existence and disappearance of people fade into each other (2019–21), uses fragments of Palestinian postcolonial scholar Edward Said’s poem “After the Last Sky” to interrogate what it means to be constructed as an “illegal” person, body, or entity. The text fragments are interspersed with human avatars created from images of demonstrators in the Great March of Return, a series of protests that began in 2018 and advocated for ending a 12-year blockade and returning Palestinians to their ancestral homeland. The avatars, which are rendered with software that represents missing data as glitches, scars, and incomplete facial features, seem to exist between the past and the future.

The exhibition also presents for the first time the series of prints Don’t read poetics in these lines (2010–21). Abbas and Abou-Rahme began producing this work in 2010 by screenshotting and archiving tweets that responded and continue to respond to the Arab revolutions. The selectively erased texts distill the rapid-fire reactions that unfolded on social media, thus standing as a testament to our time and offering a physical counterweight to the internet, which the artists consider an “amnesiac archive.”

Extracted from this archive, Once an artist, now just a tool (2021) was commissioned by the Art Institute and critiques how museums perpetuate the legacies of the colonial apparatus. In repositioning these sampled fragments, the artists assert language’s capacity to challenge systems and histories of power, critically pointing to the shifts that occur between events and discourse.

The exhibition’s visceral and material narratives raise timely and urgent questions about the ways history is constructed and continually obliterated—encouraging viewers to imagine the potential futures that emerge from the immersive sonic and visual environment.

El ensayo hace un trazado histórico del único edificio de Pedro Ramirez Vazquez en Estados Unidos y su relación con el movimiento de derechos civiles para la comunidad latina. Tras mas de una decada de protestas reclamando derechos educativos para la comunidad latina en Chicago, se conforma la que fue la primera escuela secundaria publica bilingue Español-Ingles. El edificio apenas habia sido catalogado y no contaba con fotografia o registro alguno. Junto con este ensayo comisiono las fotografias que acompañan el ensayo a Sebastian Hidalgo.

Tal y como articula el ensayo, el edificio es un testimonio de las protestas de los grupos estudiantiles de 1968 a 1974 en contra del sistema segregado de las escuelas públicas de Chicago asi como de los vinculos entre la construccion de identidades a ambos lados de la frontera en EE.UU y Mexico y el rol que jugó un arquitecto en esto, transitando roles entre la diplomacia y la arquitectura.

https://www.harvarddesignmagazine.org/articles/rerighting-history-the-benito-juarez-community-academy/

Estos espacios de excepción se cuestionan a través del prisma de una serie de artistas y arquitectas que trabajan con lo que ocurre en esos espacios, ya sea representándolos, registrándolos o reactivándolos desde proposiciones disruptivas permitiendo lecturas alternativas del aparato político que los alberga.

A través del recorrido propuesto en Escenografías de poder se desvela cómo, en las materializaciones espaciales de la excepción, lo estético deviene en político. Estos espacios de excepción se cuestionan a través del prisma de una serie de artistas que trabajan con lo que ocurre en dichos espacios, ya sea representándolos, registrándolos o reactivándolos desde propuestas disruptivas con una mirada crítica. Estas obras atraviesan así ocupaciones militares, aeropuertos, embajadas, tribunales internacionales e incluso zonas de lo virtual, como es la red wifi libre y anónima Tor, permitiendo poner en crisis espacios que constituyen la realidad más normalizada de la excepción. De este modo, la obra de Arkadi Zaides, que se centra en el conflicto palestino-israelí, articula a través del metraje documental la influencia del proceso de ocupación sobre los cuerpos movilizados por parte de aquéllos que administran dicha estrategia territorial. Mediante una aproximación desde el aparato legal, Susan Schuppli cuestiona a través del concepto de “testigo material” cómo las evidencias materiales y espaciales tienen cabida en estructuras como el Tribunal Internacional de La Haya. Este tribunal no sólo forma parte constituyente de las estructuras de poder sino que escenifica y dictamina cómo el conflicto trasciende en la historia.

Sin embargo, el estado de guerra no es el único que genera estos productos legales, y espaciales, de la excepción. Las estructuras políticas también asimilan el estado de excepción como parte de la infraestructura de poder en la que se sustentan; de hecho, es en este ámbito donde podemos encontrar los espacios de excepción más consolidados. Así, espacios como las embajadas o infraestructuras como los aeropuertos escenifican materializaciones muy específicas de los limbos legales al tiempo que despliegan todo un aparato de control donde la capacidad de afección y de dominación de las estructuras de poder se manifiesta de forma explícita. Precisamente con esta mirada, la obra Delivery for Mr. Assange, pone en crisis las paradojas de accesibilidad articuladas por códigos diplomáticos. Por otra parte, las coreografías y estrategias fruto de protocolos de seguridad articulados en los aeropuertos, que modifican la circulación de objetos y sujetos, son puestas de manifiesto, respectivamente, en las obras Contraband y Something about Contemporary Nomadism. Finalmente, el dispositivo Autonomy Cube usa el propio espacio expositivo para amplificar la red anónima Tor, un espacio de resistencia subversiva frente a los protocolos de control y vigilancia en Internet que articula precisamente un espacio virtual de excepción en el que la manera de operar y moverse no responde a los mecanismos de monitorización propios de este espacio.

Escenografías de poder es una invitación a repensar los espacios de excepción a través de las obras expuestas para descifrar y movilizar la relación que se articula entre el espacio, la ley y el poder, a la par que a reclamar la capacidad de afección que dichos espacios tienen conjuntamente con sus respectivos protocolos legales y políticos. Cada una de las obras presenta el debate desde una tipología de espacio de excepción muy concreta, reactivando dicho espacio desde una acción subversiva que permite lecturas alternativas del aparato político que lo alberga. Con todo ello, Escenografías de poder propone cuestionar estos espacios como materializaciones en proceso del estado de excepción, como espacios vivos, como espacios en construcción que, por tanto, pueden ser irrumpidos, modificados, rearticulados y recodificados para poner en cuestión el sustrato político que los argumenta.

Listado de obras y artistas:

Delivery for Mr. Assange. A Live Mail Art Piece. RRRRRRRRRRRRRRRRADICAL REALTIME

MEDIENGRUPPE BITNIK (Zurich, Suiza / Londres, UK)

Autonomy Cube

Trevor Paglen (Maryland, USA)

Capture Practice

Arkadi Zaides (Bielorrusia / Israel)

Contraband

Taryn Simon (Nueva York, USA)

Something About Contemporary Nomadism

Gulnara Kasmalieva and Muratbek Djumaliev (Kyrgyzstan)

Evidence on Trial

Susan Schuppli (Londres, UK)

Listado de autores participantes en el catálogo:

Para desarrollar el catálogo se han comisionado cinco autores en donde cada uno ha desarrollado un texto respondiendo específicamente a una de las piezas.

Nora Akawi

“Grabar, Reproducir, Grabar…”

Ethel Baraona Pohl

“Historia de Dos Palabras y Dos Mundos: Anonimato e Hiperconectividad”

Andreas Philippopoulos-Mihalopoulos

“La Ley del Espacio”

Iván López Munuera

“Escáner Pirata”

Uriel Fogué

“Coreografías Jurídicas”

Tanya Barson & Maite Borjabad

“Reflexiones sobre “Escenografías de Poder”

En el contexto arquitectónico, la complejidad de una línea podría abordarse desde su dimensión geométrica. Podríamos entenderla únicamente como una herramienta gráfica: como el mecanismo formal que permite, mediante un ejercicio simple de delimitación de sustancias o espacios, establecer unos parámetros de inclusión y exclusión dentro de una superficie cualquiera; una frontera o límite en el que elementos previamente juntos son divididos, diferenciados y clasificados. ¿Pero qué ocurre entre estos elementos una vez trazada la línea?¿Qué sucede entre estas nuevas entidades ahora entendidas como de “diferente naturaleza”? ¿Qué mecanismo permite realizar esta distinción?Cualquier escrutinio obsesivo de una línea en búsqueda de respuestas nos llevará siempre a la misma conclusión: entre las entidades que una línea divide solo se encuentra una cosa: su grosor.

A Fine Line es una plataforma de conversación y debate que explora las realidades que se esconden bajo —y a los lados— de los grosores de línea, con especial atención a su condición de frontera, tema propuesto para esta primera edición de MUGAK, I Bienal Internacional de Arquitectura de San Sebastián. Este proyecto plantea un análisis y problematización de este concepto desde la arquitectura y sus entornos,con la voluntad de asumir y visibilizar su complejidad y polisemia, trascendiendo su consideración meramente político-geográfica.

El proyecto se divide en dos etapas. En una primera fase, se ha invitado a 16 equipos de arquitectura internacionales a reflexionar y diseñar un escenario en torno a una idea de frontera. Los resultados ponen sobre la mesa la disparidad y polisemia que este concepto entraña:las diferentes propuestas ponen el foco en cuestiones tan dispares como las políticas de importación-exportación, la alimentación y las lógicas de producción transnacionales, las graduales transiciones entre géneros, visiones utópicas en torno al propio espacio de la frontera político-territorial, así como las condiciones reales que fenómenos como éxodos imprime sobre infraestructuras, organizaciones o vidas y cuerpos individuales, entre otros temas.

La segunda fase del proyecto amplía la plataforma de debate a diferentes públicos y voces. A través de un taller que cuenta con 16 participantes,el material recibido por los 16 equipos invitados es analizado, repensado e interrogado mediante su apropiación material, traduciendo sus imaginarios en un formato audiovisual que permita su mayor circulación. Así pues, A Fine Line deviene, en el espacio físico y tiempo en directo de Mugak, un laboratorio cinematográfico de producción performativa de las nociones de frontera propuestas por cada uno de los equipos en la fase previa. Cada nueva pieza audiovisual se convierte, a través de la relectura que hace de materiales previos, en una nueva modulación. Estas piezas se suman al repertorio de nociones de frontera que A Fine Line pretende construir.

https://vimeo.com/250005063

https://vimeo.com/250006036

Comisarias-os: Maite Borjabad, Lluís Alexandre Casanovas, Enrique Espinosa, Lys Villalba

Dirección artística y diseño gráfico: Jorge López Conde

Participantes: C+ (Nerea Calvillo & Marina Fernández), CAMPO, Cooking Sections, Echoing Borders, Matteo Ghidoni, Husos, Kosmos Architects, M7red, Gili Merin, Pez Estudio, RUJA (Jose Jajaja & Ruohong Wu), Malkit Shoshan, Takk, Taller de Casquería, URBZ & Venida Devenida

Participantes taller: Naiara Alava Aguirre, Katrin Rodríguez Aldanondo, Alberto Cendoya, Ane Chueca Uria, Ula Iruretagoiena Busturia, Marta López Tamayo, Rocío Merchante Gutiérrez, Ane Rezola Tolosa, Nuria Sacristán García, Maialen Santos Sampedro.