El acercamiento al objeto convencional desde el campo de la arquitectura trasciende el ámbito de acción del diseño —siempre más interesado en la configuración formal— para incidir en propósitos conceptuales. Tal incidencia y su evolución constituyen el tema de estudio de esta tesis, que pretende ahondar en el entendimiento del objeto cotidiano y su conceptualización como herramienta disciplinar a partir de de seis casos diferentes —tres del mundo del arte y tres de la arquitectura, agrupados por parejas y épocas— a lo largo un período de sesenta años, de 1913 a 1973. La hipótesis expuesta propone que el tratamiento dispensado al tema del objeto y su transformación en sujeto artístico o arquitectónico es capaz de reflejar y sintetizar los cambios que los protagonistas de esta investigación experimentaron en su praxis.

La estructura en la que se desarrolla esta investigación es tripartita, segmentada en tres períodos bien acotados geográfica y cronológicamente. El recorrido arranca con los ejercicios de Marcel Duchamp y Le Corbusier en Nueva York y París y la definición particular de dos recursos disciplinares entre 1913 y 1929, el ready-made y el objet-type. Tras un breve paso por el objeto surrealista, el relato transita posteriormente por la Inglaterra de la década de 1950 con los trabajos expositivos y espaciales de Richard Hamilton y Alison & Peter Smithson, juntos y por separado, y se cierra en su último tramo en la Costa Este de Estados Unidos y a caballo entre las décadas de 1960 y 1970 para estudiar, en paralelo a la eclosión del arte Pop, la actividad de Andy Warhol y Robert Venturi. De objetos en edificios a edificios como objetos, en este devenir puede apreciarse cómo los mecanismos intelectuales que permitieron incorporar el útil cotidiano al mundo del arte se terminaron trasladando —con los obligados matices— a la arquitectura, de manera que transitó de mero resonador formal segregado de la praxis a tema integrado en la disciplina. Así, el programa de las vanguardias, que no era otro que disolver las segregación entre el arte y la vida, se llevó a cabo con urinarios, bombillas y anuncios a gran escala, unos medios tan insospechados como modestos.

Como respuesta a esas parejas de artistas y arquitectos, entre cada una de estas tres partes se proponen, a modo de bisagra, unos breves capítulos de transición que reflejen las alteraciones en la teoría y crítica ejemplificados, asimismo, en figuras concretas de asociadas a cada uno de los campos de estudio: Clement Greenberg y Hans Sedlmayr junto a Sigfried Giedion en la primera parte; Lawrence Alloway y Reyner Banham en la segunda y, finalmente Jean Baudrillard y Charles Jencks, al final y como una suerte de epílogo. Se trata de un final de camino que lleva desde las primeras consideraciones sobre la autonomía disciplinar y el ready-made a la imbricación social del objeto común que representa el ad-hoc-ismo propugnado por este último autor.

Pese al enfoque concreto en esas figuras y obras, la condición paradigmática de los ejemplos escogidos también permite interpretar las transformaciones aquí exploradas desde una perspectiva más amplia que la del caso particular. A través de esos mecanismos que unen y separan lo artístico y lo convencional, y su interacción con otros ámbitos de la cultura y los medios de comunicación de masas, puede estudiarse, sobre todo, la imagen de sí mismas que desean proyectar el arte y la arquitectura de cada época.