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En otoño de 1971, el artista Gordon Matta-Clark y la bailarina Carol Goodden fundaron el proyecto Food (Figura 1), un negocio de comida casera que constituyó un hito cultural en el entonces fabril barrio del Soho en Lower Manhattan. Junto con la transformación física del local mediante cortes que no discriminaban entre muros, puertas o mobiliario, el grupo gestionó la preparación de los menús para congregar diariamente a una clientela diversa y múltiple en esta aventura de impacto social y escala urbana.[1] Igualmente paradigmático resulta el estudio The Silver Factory de Andy Warhol donde el artista y sus célebres invitados cristalizaron un estilo de vida alternativo al ocupar uno de los antiguos talleres del SoHo neoyorquino, un fenómeno capaz de dinamizar cualquier tejido industrial de la urbe contemporánea.
La ciudad no sólo se disfruta a pie de calle, tal y como mostró el propio Matta-Clark en el proyecto Chinatown Voyeur (1971) (Figura 2), un largometraje que incidió en la conexión entre individuos a través de los vínculos alcanzados desde la ventana de un apartamento en Chatham Square en Chinatown. La grabación combina vistas lejanas de rascacielos, puentes o vallas publicitarias con capturas íntimas a través de las ventanas de los interiores domésticos. Este vídeo rememora su recuerdo del edificio de Greenwich Village donde se crio y en el que el primer contacto con otras personas no fue en la calle, sino de un alféizar a otro, a la manera típica italiana de ocupar una ventana.[2] El contacto visual desde las aberturas de una fachada hace inevitable pensar en trabajos cinematográficos como Rear Window (1954) de Alfred Hitchcock. Desde la escena inicial en el apartamento del protagonista, el largometraje presenta el desarrollo de los hechos acontecidos en las ventanas entreabiertas que rodean un patio neoyorquino, ubicado nuevamente en el barrio de Greenwich Village.[3]
La fachada como elemento de conexión con el entorno urbano también fue el tema principal de la intervención del artista Vito Acconci y el arquitecto Steven Holl en el Storefront for Art and Architecture en 1993 (Figura 3). Los artífices desafiaron la frontera física y simbólica que representaba el muro exterior de la galería mediante un conjunto de doce paneles pivotantes que disolvieron la fachada y el espacio que quedaba a cada lado de ella. Esta transformación ha sido germen de innumerables instalaciones donde artistas, arquitectos, visitantes y viandantes interactúan con las múltiples posibilidades que brinda la radical apertura de la fachada a nivel de calle.
Sin olvidar la componente urbana más lúdica, la fiesta y el baile resultan un acontecimiento y actividad social de impacto físico ineludible. El cortometraje contemporáneo Streamside Day (2003) (Figura 4) del artista francés Pierre Huyghe relata los inicios del desarrollo residencial Streamside Knolls junto al río Hudson al norte de la Ciudad de Nueva York. Con el fin de celebrar el nacimiento de la desarraigada comunidad, el artista orquestó una celebración con el propósito de convertirla en una tradición popular del asentamiento suburbano, con la consecuente transformación de los comportamientos sociales y del espacio público en sí mismo. La ceremonia incluyó discursos de las autoridades locales, una barbacoa, música, un desfile oficial y un rito de plantación de árboles presidido por niños vestidos con disfraces de animales.
El artista Dan Graham, coetáneo a los personajes de esta excursión neoyorquina, defendió con frecuencia la condición más social de la arquitectura y el urbanismo, un tema evidente en parte de sus esculturas y escritos. De hecho, Graham caracterizó algunas de las obras de Matta-Clark como una forma de “ecología urbana”, como un medio de propaganda social y política en la ciudad comparable a las acciones de los situacionistas de París en mayo del 68. Dichos acontecimientos resultaban en unas “intrusiones públicas o ‘cortes’ en el tejido urbano sin costura”.[4] Si la idea situacionista consistía en hacer que sus gestos interrumpieran los hábitos inducidos en la masa urbana, de manera similar, los autores que han acompañado nuestro viaje ejemplifican la trascendencia de implementar unas acciones de naturaleza diversa a modo de sondas que descubran y reaviven el trasfondo social propio de cada pueblo.
En forma de viaje atemporal, se invita al lector a una inmersión para la alianza por el medio ambiente a través de un conjunto de prácticas de dicho laboratorio experimental, desde el contexto estadounidense con las teorías de György Kepes, Kevin Lynch, Stewart Brand o R. Buckminster Fuller y los trabajos de Robert Smithson, Gordon Matta-Clark, Reyner Banham y Juan Navarro Baldeweg, hasta la expansión a nivel global con el alcance especulativo del momento actual. Estos relatos en curso, tan contemporáneos hoy como ya lo fueron cincuenta años atrás en el contexto contracultural más revolucionario, proporcionan un campo de innovación colectiva para la recuperación del planeta.
Sampling Contexts promueve una reflexión en torno a qué es y cómo se hace una arquitectura hoy, dando voz a estudios emergentes transnacionales. El proyecto desvela procesos de trabajo de proyecto, gestión y comunicación desde lógicas contemporáneas de catalogación, taggeado, remix, ensamblaje y sampleado; un escenario valioso que no es accesible a pesar de vivir en un mundo de sobresaturación de imágenes.
La infinitud de referencias, documentos y recursos que se acumulan en la web forman parte del dominio público e imaginario colectivo. ¿De qué manera esta circunstancia afecta a la práctica contemporánea de la arquitectura? Los arquitectos han de ser curadores de los contenidos relevantes para su práctica, configurando su agenda profesional y construyendo sus marcos de interés. Las bases de datos, las imágenes de referencia o los programas y aplicaciones forman parte del trabajo del arquitecto y todos estos parámetros se incorporan a la producción de cada oficina de forma diversa. Del mismo modo, a través de la comunicación de su trabajo, el arquitecto genera nuevos documentos, que a su vez pasan a formar parte del repositorio analógico y digital sobre el que otros podrán trabajar.
En este entorno buscamos reflexionar sobre los modos en que los arquitectos contemporáneos gestionan, producen y comunican su trabajo por medio de diferentes tácticas de archivo, edición, sampleo y ensamblaje. Sampling Contexts es un proyecto en curso con el que venimos desvelando aquellas condiciones desde las que parten en su trabajo los invitados al ciclo. Estos contextos (#contexts) han generado la posibilidad de descubrir diferentes condiciones de sampleado (#sampling) en los procesos de producción, gestión y comunicación del trabajo de los invitados. Mediante el ciclo y su posterior difusión construimos una taxonomía y una visibilización de un conjunto de prácticas contemporáneas asociadas al concepto que da título al programa.
Sampling Contexts es una iniciativa del Departamento de Proyectos Arquitectónicos ETSAM, comisariada por Begoña de Abajo, Enrique Espinosa, Carlos García, Eva Gil, Ángela Juarranz, Álvaro Martín y Borja Sallago. Es un ciclo de eventos más allá del formato conferencia, una serie de diálogos interactivos y especulativos y un espacio de aprendizaje en torno a las maneras no visibles de hacer arquitectura. Este escenario se conecta y nutre también de la serie editorial Argument del DPA, una publicación anual y temática de carácter experimental.
Han sido invitados a Sampling Contexts: Maio, Arquitectura G, Taller de Casquería, Gonzalo del Val, Cristina Goberna (FKAA), PYO arquitectos, Jan de Vylder (DeVilder-Vinck-Taillieu), Luis Úrculo, Guillermo Santomá y Alexandre Theriot (Bruther).
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Un proyecto de urgencia
Reyes consiste en la rehabilitación de un edificio de finales del siglo XIX, característico del centro de Madrid, y que ahora requiere adaptarse a las condiciones de uso actual, radicalmente diferentes a las de décadas atrás. Para ello, el programa de vivienda privada se complementa con unas zonas de uso comunitario. Mientras los apartamentos conservan el espíritu de la casa típica del centro histórico, las partes de uso colectivo reinterpretan las posibilidades funcionales con una zona de reunión, un jardín comunitario y unas circulaciones que incitan la interacción de usuarios dentro del bloque. La zona de reunión, el espacio compartido principal, se diseña como una gran estancia con una flexibilidad de uso máxima y una configuración espacial abierta. Esta zona se adapta según el número de usuarios, la actividad y la hora del día, dando cabida a cenas, proyecciones de cine, clases de yoga, sesiones de estudio o reuniones de trabajo.
Un proyecto de recuperación
El objetivo de la intervención es devolver al inmueble su espíritu original y a la vez adaptarlo al estilo de vida actual. Para ello se han empleado productos que enfatizan el valor de la materialidad inicial a la vez que conviven con estructuras y tecnologías contemporáneas. Los revestimientos empleados son mayoritariamente cerámicos y permiten resaltan los elementos preexistentes de carácter natural, como los muros de ladrillo o la estructura de madera. De manera específica, al igual que los mosaicos romanos enriquecían los suelos de sus viviendas, en la zona de reunión se utiliza este recurso para potenciar la flexibilidad funcional. Dicha zona consiste en un gran espacio abierto pavimentado mediante un despiece que divide perceptivamente el espacio en seis áreas. La estancia se adapta a eventos puntuales de gran escala, a la vez que permite usos más reducidos e íntimos, propios del espacio doméstico cotidiano.
El proyecto The New York Factory, 1960-actualidad forma parte de la tesis doctoral Architectural Strategies in the Art and Technology Assembly after the Happening, una investigación teórico-práctica que nace de la confluencia del trabajo creativo y el progreso tecnológico al servicio de la sociedad, y que con el caso neoyorquino dibuja un laboratorio de estrategias arquitectónicas de evolución en el mundo contemporáneo.
De cara a optimizar la experiencia del visitante, cada módulo se construye mediante dos paneles ensamblados, dando lugar a una figura en cruz capaz de generar un recorrido en torno a ella. En los encuentros de dichos paneles, el visitante descubre la serie de proyectos y objetos expuestos. El diseño versátil del aspa se logra gracias a la rigidez y la ligereza del material empleado, que permite apoyar la estructura sobre el suelo, o elevarla a modo de estrella emergente para significar la innovación de los proyectos premiados. El sistema se completa mediante la macla de unas tarimas fabricadas con los excedentes de las planchas originales, evitando cualquier desperdicio y reforzando la estructura de las aspas. Estas planchas Pegasus, de dos por tres metros, se gestionan de forma sostenible mediante el reciclaje, la impresión a doble cara y la fabricación de residuo cero.
Complejo por los requisitos de partida, y sencillo por la sistematización del diseño, el proyecto expositivo permite detener el ritmo de la visita y ofrecer un lugar de disfrute y reflexión a propósito de la obra de los diseñadores presentes.
https://bid-dimad.org/bid20/bid-20-virtual/
En este ámbito expositivo, el espacio de la feria diluye la modalidad del stand para adoptar una arquitectura inclusiva, con un recorrido continuo a través de los objetos expuestos. Frente al diseño de las ferias de arte desarrolladas mediante stands y recorridos cerrados, ahora, el planteamiento relacional entre el público y las obras se materializa por medio de un recinto sin particiones y de clara condición centrípeta, un oasis abierto que estimula la participación del visitante. It’s Just a Matter of Time surge del propósito base de detener el ritmo de la visita y ofrecer un nuevo modo de entender la arquitectura de la exposición ferial.
De forma complementaria, el proyecto curatorial incluye la instalación de una serie de vallas publicitarias en varios puntos de la ciudad de Madrid. It’s Just a Matter of Time se convierte así en una apología al tiempo desde el arte, con un alcance de escala relevante tanto en la feria como en la ciudad.
* El título de la exposición It’s Just a Matter of Time toma el nombre de la obra de Félix González-Torres, artista visual estadounidense-cubano a quien se dedicó este espacio.
La exposición se materializa en un recorrido que avanza desde una atmósfera que acompaña la intimidad y singularidad de las primeras imágenes hasta la ubicuidad de la fotografía contemporánea. Con ese fin, se crea una progresión de negro a blanco, desde un entorno oscuro hasta lo más luminoso, para propiciar un recurso fluido que acompaña al visitante generando el lugar propicio para la fotografía de cada época. Así, las estrategias de diseño proponen un espacio inclusivo e intuitivo, donde todos elementos funcionan como un recurso solidario que favorece la transmisión de los valores culturales y artísticos de la muestra.
Las imágenes se distribuyen en el perímetro de la sala y en unos módulos interiores que logran doblar el espacio expositivo disponible. Estos elementos suspendidos aluden a los sistemas empleados en los peines de las pinacotecas y en los talleres de conservación, de modo que las mallas metálicas y las planchas de policarbonato generan en la exposición una superficie optimizada para exponer obra. Los principales materiales empleados consisten en malla electrosoldada de diámetro 5 mm y módulación 30 por 5 cm y el policarbonato de grosor 10 mm en acabados bronce y hielo.
Una de las motivaciones durante el diseño de los módulos expositivos consistió en operar en un campo ilimitado de posibilidades mediante la opción de reciclar estos elementos más allá del período expositivo. Así, el sistema final debía lograr la polivalencia y versatilidad de los elementos concebidos. Por ello, se enfatizó el diseño de unas estructuras autónomas que permiten su uso directo o su transformación para un futuro cuelgue de obra en otros espacios del edificio del arquitecto José Luis Picardo.
La exposición, promovida por la Fundación Juan March, propone un relato del medio en una selección que parte del ojo original de quienes primero las reunieron y conservaron: los coleccionistas Dietmar Siegert y Enrique Ordóñez - Isabel Falcón. El equipo curatorial está formado por Ulrich Pohlmann (Comisario invitado, Stadtmuseum, Múnich), Manuel Fontán del Junco (Director de Museos y Exposiciones, Fundación Juan March) y María Zozaya Álvarez (Jefe de Proyecto Expositivo, Fundación Juan March).
Un estado de emergencia
Cada vez más, muchos de nosotros vivimos o viviremos en un edificio complementado por una serie de servicios domésticos compartidos. Dichas zonas requieren un significado ampliado; un significado que va más allá del carácter básico que caracteriza las zonas comunes de la vivienda colectiva del siglo XX. Un estilo de vida cada vez más independiente, las dificultades económicas y los altos precios inmobiliarios hacen del tema de la vivienda un asunto apremiante. Más allá de rediseñar el edificio, urge la necesidad de imaginar nuevas formas de vida.
Para el nuevo habitante, la convivencia no se limita a compartir la infraestructura física, sino que abarca otros factores, como un sentido de comunidad, la sostenibilidad y la economía colaborativa. Hoy, la convivencia abarca una multitud de posibilidades, desde personas que simplemente viven juntas, compartiendo sólo el espacio físico, hasta comunidades que también comparten valores, intereses y una filosofía de vida. El proyecto AM80 trabaja en este ámbito de la vivienda colectiva compartida del siglo XXI.
Una arquitectura adaptada
AM80 consiste en la rehabilitación de un edificio residencial del barrio de Chamberí en Madrid. La operación adapta el bloque existente a las nuevas necesidades del habitante, a la vez que respeta el carácter burgués de la arquitectura propia de los distritos más céntricos de la ciudad. El edificio se organiza en seis comunidades, una por planta. Cada comunidad comparte una serie de servicios y, a la vez, disfruta de otros sistemas a mayor escala con el resto de comunidades del edificio. Esta organización gradual se consigue mediante la construcción de unos espacios cuya condición espacial y doméstica se adapta al número de usuarios que la utilizan. La serie de espacios compartidos varía desde la cocina de una comunidad, la sala de estudio y la sala de juegos generales, el núcleo de acceso y la escalera o, incluso, la terraza donde cultivar productos de autoconsumo.
En puntos singulares del edificio, la arquitectura propia del bloque burgués convive con el diseño del nuevo proyecto. Los mármoles, molduras de escayola y diversos motivos en metal comparten espacio con una capa material consciente de la alarma medioambiental actual. Los nuevos materiales consisten en madera ecológica, fibras de madera reciclada, corcho, y otros productos que adquieren una segunda vida útil en este bloque residencial.
La construcción del medio desde la mediación disciplinar (1967-2017)
Este ensayo desarrolla los precursores recientes de la atención ecosistémica a través de unos trabajos de naturaleza múltiple que cincuenta años atrás generaron registros habitables alternativos. El concepto de medio (environment) sirvió para aludir a un entorno que debía garantizar las necesidades vitales del individuo, además de responder a las nuevas preocupaciones sociales y ecológicas. La sensibilidad medioambiental formaba parte de una época por primera vez consciente de las consecuencias del desarrollo industrial sobre el paisaje, lo cual propició la coincidencia de unas teorías artísticas y científicas que ampliaron el sentido del medio con una connotación de sesgo social y ecológico, encabezada por los autores Reyner Banham, Kees Boeke, Stewart Brand, György Kepes y Ray y Charles Eames.
Tres casos de estudio inéditos
Los programas visitados son: Experiments in Art and Technology (Nueva York, 1967), Art and Technology Program (LACMA, Los Ángeles, 1967-1971) y Center for Advanced Visual Studies (MIT, Cambridge, 1967), que a final de los años sesenta y en diferentes localizaciones de Estados Unidos impulsaron proyectos en los que artistas, ingenieros y arquitectos colaboraron y construyeron el nuevo medio requerido por la sociedad. Los trabajos que realizaron han permanecido desconocidos en gran medida, aún más para la arquitectura. Sin embargo, las realizaciones de los tres programas fueron clave para ciudades como Nueva York, Los Ángeles y Boston y los arquitectos que se vinculaban a ellas, como Jane Jacobs, Frank Gerhy y Juan Navarro Baldeweg, entre otros. La fundación simultánea de las tres organizaciones conforma el cuerpo principal del relato y dibuja el panorama que el último tercio del siglo XX ha dejado en herencia y que sirve ahora para la discusión de nuevas arquitecturas habitables.
El fundamento social y ecológico del nuevo medio
La concepción de los casos desarrollados se separa de la idea de edificio y de ciudad como construcciones universales —como agentes pasivos de convergencia social— para aproximarse a una articulación más amplia del espacio público y privado —como conceptos que deben ser reexaminados bajo una lectura crítica transdisciplinar—. La labor especulativa que entraña la revisión de las obras hace referencia a un sistema conformado por unas técnicas, procesos y colaboraciones diversas, que son el punto de partida para entender el carácter global con que esos ejemplos confrontan el medio construido. Más allá de que cada trabajo pueda ser descrito como un producto en forma de obra de arte, experimento científico o arquitectura, trasciende una concepción mayor referida al hábitat, basada en la colaboración entre diferentes agentes, donde la sociedad, la ecología y la construcción son las vías exploratorias más fructíferas.
Epílogo: una lectura contemporánea
A modo de nota final y como constatación de la línea argumental, el trabajo alude a unos ejemplos recientes de ámbito internacional en los que se reconoce un cambio en la forma de habitar con relación a las preocupaciones sociales y ecológicas del siglo XXI. En el itinerario cronológico, el conjunto de las prácticas analizadas constituye un laboratorio experimental para la arquitectura, que surge en el contexto estadounidense promotor de la concienciación por el medio y que se expande al territorio español y a nivel global en el periodo de tiempo comprendido desde entonces hasta el alcance especulativo del momento actual.
https://oa.upm.es/53902/
ESCENARIO DOMÉSTICO
Hoy en día, se reclama una arquitectura con una flexibilidad más allá de lo estrictamente funcional. El ser arquetípico de la casa es el de constituirse en escenario para cada acto del habitar, pero no para un sólo y único instante. Se imagina una vivienda esencial, en la que los elementos servidores se reducen al máximo en favor de espacios servidos libres y abiertos, buscando que la adaptabilidad de su uso a lo largo del tiempo sea máxima.
Al exterior, esta intención se traduce en un volumen compacto, abierto a norte y sur de forma que la vista lejana de la Sierra de Madrid se convierte en el lienzo de fondo de todas las estancias vivideras.
MATERIALIDAD Y PAISAJE
Los materiales, con muro exterior de granito de Colmenar, lienzos blancos, lamas venecianas y cubierta a cuatro aguas de pizarra, junto con el ciprés existente y la lámina de agua que acompaña el conjunto, reivindican los elementos que conformaban las viviendas originales de la colonia Mirasierra al norte de Madrid, hoy invadida por construcciones que asemejan todo menos ser una casa.
CONFORT Y CONSUMO CERO
El diseño de la pieza atiende a criterios de ahorro energético y sostenibilidad para acercarse al ideal de una vivienda energética de consumo energético nulo. Por un lado, de cara a reducir la demanda, se saca el mayor partido posible a estrategias pasivas tales como la compacidad, el aislamiento, la ausencia de puentes térmicos, la protección solar, una buena orientación, la iluminación natural o la ventilación cruzada de todas las estancias.
Por otro lado, las estrategias activas buscan minimizar el consumo al máximo, basándose en el empleo de la energía geotérmica para ACS y un suelo radiante/refrescante que, unido al uso de un recuperador entálpico termodinámico para la ventilación mecánica, se encargan de alcanzar el confort climático óptimo en el interior de la vivienda.
La propuesta espacial enfatiza los intereses de Munari en el arte y el diseño, con una suma de precisión y levedad, para acompañar los conceptos metodológicos esenciales de su trabajo: el tiempo, el método, la levedad, la experimentación y la contemplación. El proyecto museográfico es el resultado del estudio atento de los diseños de Munari, entre los que también podemos encontrar propuestas expositivas, diseños de mobiliario e, incluso, obras de arquitectura. En consecuencia, las estrategias expositivas inciden en la modularidad, la estandarización y la aparente sencillez del diseño, para lograr requisitos fundamentales como la ligereza, la flexibilidad y la versatilidad de todas y cada una de las piezas de mobiliario.
Los módulos expositivos consisten en un conjunto de piezas fabricadas en acero anodizado: vitrinas y mesas autoportantes, vitrinas de pared y baldas. Cada pieza se genera a partir del ensamblaje de una serie de elementos intercambiables y polivalentes, mediante la unión de los apoyos, el soporte de exposición y la campana de protección. El conjunto de elementos se completa con una retícula metálica que sobrevuela el espacio para permitir el cuelgue libre de la obra del artista.
La versatilidad y resistencia del sistema da lugar a un conjunto de piezas reutilizables y adaptables, en busca de una economía de los recursos empleados en este tipo de intervenciones efímeras. De hecho, tras la exposición en Madrid, las obras y el sistema expositivo se han incluido en una itinerancia que recorre el Museo de Arte Contemporáneo MACA de Alicante, el Museo de Arte Abstracto de Cuenca y el Museu Fundación Juan March de Palma. Esta exposición constituye la muestra más completa de la obra de Munari hasta la fecha fuera de Italia.
La exposición ha sido promovida por la Fundación Juan March y su equipo curatorial está formado por Marco Meneguzzo (Comisario invitado), Manuel Fontán del Junco (Director de Museos y Exposiciones, Fundación Juan March), Aida Capa (Jefe de Proyecto Expositivo, Departamento de Arte, Fundación Juan March) y Beatrice De Ruvo (Asistente de comisariado).
